这三本书读懂欧洲艺术史

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文艺复兴

昨天，我们领略了一番“文艺复兴三杰”的各种厮混厮打厮杀，但或许还不过瘾。而说起“文艺复兴”，大家都想了解得更多：想知道那个时期都发生了什么样的思潮变化，各种艺术又是如何演变，对现代文明又有哪些影响，那个时期的伟大艺术家们是如何创作并改进自己的技法的……

由未读图书公司引进策划的《文艺复兴三部曲》（《图解欧洲艺术史：14、15世纪、16世纪》）以图文形式讲解了14到16世纪的欧洲艺术史，从中世纪的黑暗到文艺复兴萌芽再到盛期文艺复兴的辉煌。

想要了解这三个世纪的欧洲艺术，这套书已经说得非常详尽。但正是因为内容丰富，涉及到人文、宗教等方方面面，在有限的版面上也无法一一讲述，不如对每个世纪提几个关键性问题，从答案中释疑解惑。

三本书读懂欧洲艺术史

○ 伍 岭

14世纪

问题：14世纪在欧洲爆发的大规模瘟疫，对艺术造成了怎样的影响？

瘟疫曾大规模袭击了14世纪后半期的欧洲，瘟疫蔓延给艺术领域带来了灾难性后果，因为大批艺术从业者和他们的赞助者在瘟疫中死去。这意味着14世纪前期一片繁荣的艺术走到了尽头，此时，“死神之舞”的主题开始流行。死亡作为艺术的主体早在13世纪就已出现，但14世纪不断提高的生活水平让人们更为关注生活的愉悦和享乐，这也催生了一种从世俗角度对死亡的新的认知和态度，即死亡只不过是世俗享乐的彻底终止。

在这种新的认知下，瘟疫的蔓延为死亡在艺术中的表现增添了一层恐怖的意味：它被表现为一种残酷和毫无征兆的事物，无情地袭击所有脆弱的人类躯体，不论社会阶层、年龄和道德水平的差异。

问题：为什么怀抱基督尸体，满面哀伤的“圣母怜子像”成为这一时期流行的艺术主题？

中世纪晚期，宗教崇拜的雕像常常力图激起信众的情感共鸣，以让他们在祈祷中更为全情投入。这些雕像通常是木制的，这种材料能够很好地传递悲伤情绪。第一个圣母怜子像的范例出现在14世纪的、罗马帝国，它描绘了一个悲痛的圣母形象——她代表了那些成熟的女性，她小心轻柔地将饱受折磨的基督的尸体抱在怀里。圣母怜子像极为流行（特别是在14世纪下半叶，人们在瘟疫到来后开始恐惧随之而来的死亡），在帝国的领土之外，这类雕像中的戏剧性特质被改造成一种优雅而不悲怆，洋溢着一种抒情的忧郁的风格，与国际哥特式的典型特质相呼应。

问题：什么是14世纪的骑士精神？

14世纪的社会里，尤其是在意大利的公社中，封建社会里完美骑士的准则衍生出许多新的意义，例如对公社的忠诚。同时，骑士精神的概念开始与大肆挥霍联系起来。“宫廷气度（courtly）”和“骑士风度（chivalrous）”这两个词不再代表着高贵的天性和完美的内在品质，而是意味着用丰裕的财产来满足欲望，寻欢作乐。这个时期的伟大艺术普遍承认骑士准则的价值观念，并在很大程度上推动了其合法化和大受欢迎。世俗主义和与骑士有关的主题开始广泛流行，艺术也开始表现对世俗欢愉的渴望——骑士和宫廷文化已经对此作了最好的诠释。

15世纪

问题：15世纪欧洲的宫廷御用画家除了画画外，还有什么身份？

宫廷御用画家负责维护并宣传其君主以及围绕君主的那个优雅的贵族圈子的形象。他们的职责包括给主人和朝臣们画肖像，用一组组湿壁画装饰重要的居所，绘制祭坛画（altarpiece）或者其他对朝廷来说有特殊意义的画。艺术家还负责组织官方活动，比如正式的宴会、接风筵席、骑士联赛（tournaments）和官方的贵宾欢迎仪式。15 世纪的宫廷艺术家们集设计师、形象宣传艺术师、广告文字撰稿人和装饰设计师的身份于一身。

问题：油画颜料为什么让佛兰德画家在15世纪的欧洲独占鳌头？

佛兰德画家在几乎整个15世纪都在欧洲的艺术市场上独占鳌头，引领着很多国家的风格潮流。他们的成功多半要归功于其画作令人炫目的鲜艳色彩，作品里充满了来源于日常生活的细节，意趣盎然、精细入微。藏在板面油画背后的秘密受到竞争者的热烈追捧，这个秘密就是用油作为黏合剂。由于油画颜料有更好的液体特性和透明度，可以很薄地一层层叠加。

问题：什么是达·芬奇的“黑屋子”肖像画？

达 · 芬奇是独一无二的艺术多面手。他登上了同时代绘画的巅峰，也是一位发明家、工程师、机器和装置设计师，同时还是很多哲学思辨和科学研究领域的先驱人物。多亏了他超人的知识掌控能力，这一切活动之间并无内部冲突。事实上，它们相得益彰。他的最高成就还是在绘画上。他在职业生涯的早期就显示出对肖像和自然研究的偏好。达·芬奇认为应该怎样画肖像？将人物放进一间黑屋子里，请他转头看右侧的光源即可。比如他在米兰作的那幅《音乐家肖像》的画，就完全符合这种建议：将人物放进一间黑屋子里，然后请他转一下头，看着右侧的光源。

16世纪

问题：文艺复兴三杰是哪三杰？

达 · 芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗：此“三杰”堪称艺术史上的三大基本参照系，许多国际性的艺术流派都从他们这里汲取灵感和指导。

问题：导致手抄本一步步没落的雕刻版画是如何获得空前发展的？

16世纪期间，雕刻版画可谓不胫而走，成为视觉理念传达最快捷、最有效的媒介。特别是通过丢勒的努力，雕刻版画成为一门完全独立的学科，表现力达到空前的高度。铜版雕刻技术因为复制能力没有限制，以及复制品廉价且易于传播。雕刻版画还可用作书籍插画（这导致插图手抄本日渐没落，乃至根本绝迹），既可以是原创作品，也可以是古代和当代名作的复制品，可供身处各地的艺术家和业余爱好者参考使用。

问题：静物画是如何作为一个独立艺术流派出现的？

正当风格主义的纯粹样式在整个欧洲不断发展之际，在佛兰德和意大利北部，画家和委托人却被日益吸引到“自然”中去。两大画派——相互之间有紧密的来往联系——皆因其在静物画方向的发展受到赞誉。在伦巴第大区，一些达·芬奇式主题再度振兴，并适应于新的风格——鲜花、水果和无生命的物体得到有强烈尊严感的解读，这既是对艺术家仿造自然之功力的检验，也主要被当作浓厚的讽喻、象征和道德意义的载体。

问题：16世纪的人们为什么会重拾对大自然和田园生活的挚爱，以至于影响到艺术的发展？

在16世纪初的威尼托，乡村田园诗的主题得到发展，风景和人物融洽共处，形成一派充满爱和悦耳乐章的和谐。16世纪的重要统治者们纷纷兴建乡村宅邸（亨利八世在汉普顿宫，弗兰西斯一世在枫丹白露），安德烈亚·帕拉弟奥设计的别墅，正如他在论著《建筑学四书》（1570年）中所言，可谓介于“有用”和“舒适”之间，是集简明、典雅、均衡于一体之典范。这些别墅也将在接下来的几个世纪里被竞相模仿。

编辑 | 罗婉

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